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Natalie Maria Cole, cantante de soul, jazz y pop, murió el
último día de 2015, en su Los Ángeles natal, en el hospital Cedar Sinai.
Natalie, de 65 años, fue la única de los cinco hijos del legendario Nat King
Cole que se dedicó con éxito al mundo del espectáculo.
Se podría decir que Natalie Cole recibió de su padre un
regalo envenenado. Nat King Cole triunfó pero debió enfrentarse al racismo
todavía imperante en los Estados Unidos del presidente Eisenhower. A pesar de
la pulcra imagen familiar, en el hogar de los Cole se vivieron muchas
turbulencias: las infidelidades del padre estuvieron a punto de romper su
matrimonio, aunque se recompuso cuando se detectó el cáncer que acabó con su
vida en 1965. En aquellas batallas, Natalie tomó partido por su padre y decidió
dedicarse a su oficio. Se enfrentó con su madre, Maria, que había desarrollado
cierta antipatía por el show business. Tras sus años universitarios, donde
incluso flirteó con el radicalismo político del Black Panther Party, empezó a
cantar profesionalmente. Su apellido facilitaba los bolos pero a la larga
resultó una rémora: promotores y discográficas esperaban un repertorio middle
of the road y ella era una criatura de los sesenta, atraída por el soul y el
rock; se negaba a interpretar las canciones identificadas con Nat King Cole.
Fue lanzada por Capitol Records, la compañía de su padre, en
1975 y tuvo éxitos inmediatamente, con temas como Inseparable, Sophisticated
lady o I’ve got love on my mind. Los productores siguieron el modelo de los
discos maduros de Aretha Franklin, lo que provocó el enfado de la Reina del
Soul. En realidad, Aretha no tenía nada que temer: la afición de Natalie a las
drogas duras era un secreto a voces en la industria musical, la explicación
para demasiadas ausencias y deslices. Además, Natalie era más flexible en lo
musical: en 1988, colocó en las listas su versión new wave de un tema de Bruce
Springsteen, Pink Cadillac.
Ya en los noventa, Natalie se rindió a la presión ambiental
y se decidió a explotar el legado familiar. Aceptó que la sombra de su padre
era demasiado gigantesca: había visto los agobios de su tío, el gran cantante y
pianista Freddy Cole, cuya desesperación le llevó a titular un álbum No soy mi
hermano, soy yo. En 1991, Natalie lanzó Unforgettable… with love, donde
recreaba éxitos de su padre. Y no solo eso: la tecnología permitía que grabara
un dueto con la voz de Nat King Cole, en lo que las lenguas pérfidas del
negocio musical llamaron un “desenterrado”. Pero eso se decía en petit comité:
en uno de sus espasmos de tradicionalismo, la Academia premiaría a Natalie con
varios premios Grammy.
La fórmula del “desenterrado” se popularizaría
internacionalmente: su aceptación comercial facilitó aberraciones como los
duetos entre dos o más artistas que llevaban décadas en la tumba. Aunque
Natalie reincidiría, se puede afirmar que aprovechó bien la resurrección de su
carrera: aparte de los inevitables discos navideños y las grabaciones con
orquestas sinfónicas, se permitió dar salida a su pasión por el jazz. En 2000,
publicó una autobiografía, Angel on my shoulder, donde relataba sus problemas
con la heroína, el crack y el alcohol, aparte de sus conflictos religiosos.
Esas confesiones facilitaron su aceptación por el mundo de la televisión, donde
protagonizó abundantes especiales y apareció como actriz en diversas series;
convenientemente embellecida, su vida se transformó en un telefilme, titulada
Livin’ for love. Como ella reconocía, era su apellido lo que despertaba la
curiosidad de personajes tan diversos como Nelson Mandela o Frank Sinatra.
Sus últimos años fueron lastrados por problemas de salud.
Aquejada de hepatitis C, tuvo que someterse a un trasplante de riñón en 2009.
Fue particularmente crítica con artistas que exhibían sus excesos vitales, como
Amy Winehouse; vivió como una tragedia la muerte de su amiga Whitney Houston.
Fuente de Información: Diario El País (España 02/01/2016)
Natalie Cole - Unforgettavle With Love (Elektra 9 610492 / USA 1991)
01. The Very Thought Of You (Ray Noble)
02. Paper Moon (Billy Rose / E.Y Harburg / Harold Arlen)
03. Route 66 (Booby Troup)
04. Mona Lisa (Ray Evans / Jay Livingston)
05. L-O-V-E (Bert Kaempfert / Milt Gabler)
06. This Can't Be Love (Richard Rogers / Lorenz Hart)
07. Smile (John Turner / Geoffrey Parsons)
08. Lush Life (Billy Strayhorn)
09. That Sunday, That Summer (Joe Sherman / George David Weiss)
11. A Medley Of: For Sentimental Reasons, Tenderly, Autumn Leaves
(Ivory "Deek" Watson - William "Pat" Best / Walter Gross - Jack Lawrence / Johnny Mercer)
12. Straighten Up And Fly Right (Nat King Cole / Irving Mills)
13. Avalon (Rose, Jolson & DeSilva)
14. Don't Get Around Much Anymore (Duke Ellington / Bob Russell)
15. Too Young (Sidney Lippman / Sylvia Dee)
16. Nature Boy (Eden Ahbez)
17. Darling, Je Vous Aime Beaucoup (Anna Sosenko)
18. Almost Like Being In Love (Frederick Loewe / Alan Jay Lerner)
19. Thou Swell (Richard Rogers / Lorenz Hart)
20. Non Dimenticar (Shelley Dobbins)
21. Our Love Is Here To Stay (George Gershwin / Ira Gershwin)
22. Unforgettable (Irving Gordon)
Natalie Cole - The Very Through Of You (1991) / Paper Moon (1991)
Natalie Cole - Route 66 (1991) / Mona Lisa (1991)
Natalie Cole - Orange Colored Sky (1991) / A Medley Of: For Sentimental Reasons, Tenderly, Autumn Leaves (1991)
Natalie Cole - Straighten Up And Fly Right (1991) / Avalon (1991)
Natalie Cole - Too Young (1991) / Nature Boy (1991)
Natalie Cole - Our Love Is Here To Syay (1991) / Unforgettable (1991)
Album "Natalie Cole - Unforgettable With Love "(Elektra) Producción Ejecutiva : Tommy LiPuma / Natalie Cole Hecho por ELEKTRA ENTERTAINMENT, una división de Warner Communications Inc. (USA) _________________________________________________________________________________________________
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"I Feel Fine", tema de John Lennon comenzó a escribirse mientras Los Beatles estaban grabando “Eight Days A Week”». Se
la considera como una de sus composiciones más optimistas. El riff inicial le
fue inspirado por la canción de Bobby Parker “Watch Your Step” y llegó a
convertirse en uno de los más característicos de The Beatles junto a los
posteriores de “Day Tripper”, “Ticket To Ride”, “And Your Bird Can Sing” y “Paperback
Writer”.
El feedback conseguido por Lennon al inicio de la canción ha
pasado a la historia de la música como la primera vez en la que un grupo de
rock utilizaba un acople del amplificador en la grabación. El sonido fue
descubierto por casualidad por los Beatles, al inclinar Lennon una de las
guitarras electro-acústicas contra el amplificador, produciendo un sonido
parecido al que acabó apareciendo en el disco. Posteriormente el sonido fue
conseguido haciendo sonar la quinta cuerda al aire, y progresivamente subiendo
el volumen de su amplificador Vox. El acople como recurso musical ha sido usado
en vivo por músicos como Jimi Hendrix, The Kinks y The Who.
Fue interpretada en vivo de forma ininterrumpida desde
diciembre de 1964 hasta sus últimas presentaciones en agosto de 1966. En
algunas presentaciones del año 1965, Lennon solía iniciar la canción tocando el
riff inicial con una Gibson modelo J-160E, la misma con la que grabó el
histórico acople, mientras George Harrison lo seguía con su Gretsch Tennessean.
El sencillo fue lanzado el 27 de noviembre de 1964 como Cara A junto a “She's A Woman”, escrita por Paul McCartney, como Cara B. Desplazó de las listas al tema "Little Red Rooster" de Los Rolling Stones.
Fuente de Información : Wikipedia (23/11/2015)
The Beatles - I Feel Fine (Video THS 007 / Venezuela 2015)
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Para los primeros años iniciales de la década de los 60s, la juventud venezolana había comenzado su andar musical cautivados por las nuevas sonoridades, se han habían agrupado entre otros, Los Zeppy's, Los Singers, Los Bugat's, Mirla, Namia y las Hermanas Agueda y Yolanda, Nancy Morillo debutaban discográficamente y se establecían como agrupaciones consolidas Los Supersónicos, Los Dangers, Los Holiday's y Los Impala.
Miossotty, intérprete juvenil de origen de origen y nombre real completamente desconocido es atraída por los nuevos ritmos juveniles de la llamada "Nueva Ola" que comenzaban a llegarnos en principio desde Europa con los temas "Ye-Yé" en las voces de Rita Pavone, Marisol, Conchita Velasco y Rocío Durcal, entre otras.
Miossoty realiza sus primeras presentaciones en el año 1964 al incorporarse al staff de noveles voces en el recién inaugurada planta de televisión "Cadena Venezolana de Televisión CVTV" (Canal 8), debuta en el recordado "El Club del Clan" conducido por Juvenal "Richard" Hernández y su hermano José, conocidos en el medio artístico como "Los Brothers".
Miossotty desaparecerá al poco tiempo del medio artístico sin dejar rastros e inclusive el de su verdadero nombre.
¿Qué nos ha quedado de su legado musical?
Prácticamente nada, solo su inclusión en el álbum "El Club del Clan" (Velvet LPV 1248) y los registros editados en el año 1965 para el sello discográfico Audifon, acá presentados.
En el azul musical del cielo venezolano, se perfila la voz clara y juvenil de la nueva estrella de la canción internacional MIOSSOTTI.
AUDIFON, complaciendo a sus miles de admiradores, ofrece a la juventud éste su primer Long Play en que se destaca como una gran figura de la canción.
Las melodías que interpreta nuestra artista, expresan el sentir moderno de una época llena de inquietud, emoción, ensueño y romance.
El arte y la personalidad que imprime MIOSSOTTI en cada una de sus creaciones la han llevado al lugar que hoy, indiscutiblemente ocupa.
Por eso, no dudamos en lanzar a la consideración del público este Long Play, el cual consagra definitivamente a esta juvenil estrella que ha conquistado el éxito a través de sus aplaudidas actuaciones.
Fuente de Información: Album "Miossotty - Miossotty" (Audifon)
Miossotty - El burrito (1900) / Deseo verte (1965)
Miossotty - Prima o Poi (1965) / Así por teléfono (1965)
Dímelo nada más (1965) / Mi amor chupeta (1965)
No me digas nada (1965) / El helado (1965)
Mi mundo (1965) / El mago (1965)
Así los dos (1965) / Siempre el tilín (1965)
Album "Miossotty - Miossotty" (Audifon) Hecho en Venezuela por Grabaciones Vega y Distribuido por Productos Plax, C.A. Proplax
Los álbumes publicados en "Hippito y sus chaarritas...!" no deben ser considerados como sustitutos de los originales, son editados únicamente con el objeto de compilar y divulgar en principio la labor de los intérpretes, músicos y compositores nacionales y enmarcado en el estudio de "El Pop Rock Venezolano".
Apoyemos a nuestros artistas y a la industria discográfica venezolana, compra todo lo que puedas y así contribuirás a combatir en buena medida la piratería discográfica.
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Legendario superguitarrista,
influyente y talentoso músico y compositor y gran genio de las seis cuerdas
eléctricas, introductor de radicales innovaciones en el arte de tocar el
venerado instrumento, John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el
nombre por el de James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942 en Seattle
(Estados Unidos).
No era un gran amante de los
estudios y para ganarse la vida decidió enrolarse en el ejército americano como
paracaidista, aunque tampoco tuvo mucha fortuna ya que tras romperse un tobillo
abandonó su corta vida militar.
Su destino final lo encontró en
la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su
guitarra Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que
admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el
ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un
bajista con el que formó el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo sus habilidades
guitarreras fueron contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por
gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard,
King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a
conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión
sonora. Hendrix, sin embargo, no se acababa de encontrar a gusto como simple
pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera para así poder desplegar toda
la creatividad que llevaba dentro.
Lo que hizo fue mudarse en 1965 a
la ciudad de Nueva York y comenzar a tocar en los clubs de la gran urbe. Se
unió a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight sin conseguir liderar una
banda propia.
En 1966, cuando formó los Blue
Flames (con Randy California) y se rebautizó como Jimmy James, fue cuando logró
conformar por fin un grupo que comenzó a actuar regularmente por los locales
neoyorquinos. Una noche que actuaban en uno de ellos, el “Café Wha,”, los Jimmy
James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico
de R&B The Animals Chas Chandler.
Chandler se dio cuenta del
tremendo potencial sónico que poseía aquel guitarrista zurdo de raza negra y
nada más terminar el concierto se le acercó y le rogó que le acompañase a las
Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler, junto a Mike Jeffries
(Jeffery), se convirtió en sus representantes y después de buscarle tras varias
audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) y Mitch
Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como
la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en
la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en
Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric
Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience.
A finales de año la Experience
publicó en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del
tema “Hey Joe” que tendría una espléndida continuación con “Purple Haze” y “The
Wind Cries Mary”, composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus
vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los
que Jimi Hendrix pasó a la historia.
Tras grabar su cuarto sencillo,
“Burning Of The Midnight Lamp”, que no ofreció los resultados comerciales de
los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, la Jimi Hendrix
Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, “Axis: Bols As Love”
(1967), otro estupendo disco aparecido a finales del mismo año con grande temas
como “If 6 Was 9”, “Little Wing” o “Bold As Love” y colaboraciones vocales de
gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después de la publicación del
doble “Electric Ladyland” (1968) las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se
hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del
grupo.
“Electric Ladyland” es otro
trabajo de gran experimentación que brillaba en canciones como “Voodo Chile (A
Slight Return)”, “Rainy Day, Dream Away” o la versión de Bob Dylan “All Along
The Watchtower” y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música
británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de,
entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del
68 y todo el 69 se mostró muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su
inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas
legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando
estas contrariedades.
Su actuación en Woodstock (en la
que estaban Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry Vélez y Juma Sultan) volvió a
resultar un éxito, en especial debido a su interpretación del”Star-Spangled
Banner”. Los tres grabaron el Lp en directo “Band of Gypsies” (1970), obra de
mediana calidad que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
Con Cox y Mitchell siguió
actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera
sentimenal, Mónika Danneman, le encontraría muerto en su habitación londinense
debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de
drogas. Era el 18 de septiembre de 1970 y el ídolo de la guitarra contaba
solamente 27 años de edad.
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Uno de los grupos más importantes e interesantes del Reino
Unido de comienzos de los años 60 fueron los Manfred Mann.
Los orígenes de este conjunto hay que buscarlos en
Sudáfrica, ya que el teclista que da nombre al grupo nació en la ciudad de
Johannesburgo. Realmente su nombre era el de Michael Lubowitz, pero, gran
amante del jazz y en concreto del batería neoyorquino Shelly Manne, adoptó para
escribir artículos de jazz como homenaje a éste el seudónimo de Manfred Manne,
cambiado posteriormente por Mann.
Después de tocar jazz en diferentes locales de su país natal
Manfred se trasladó al Reino Unido con la intención de proseguir interpretando
su música favorita en tierras inglesas. En el período que llegó a Londres el sonido Rhythm and Blues era uno
de los favoritos de parte de la juventud inglesa y pronto comenzó a atraer
también al sudafricano, en especial cuando conoció en 1962 al batería y
vibrafonista Mike Hugg, con quien
formó el dúo The Mann-Hugg Brothers. Más tarde se incorporaron al proyecto el cantante y
armonicista Paul Jones, el multi-instrumentista Mike Vickers y el bajista Dave Richmond.
Ahora como quinteto el grupo comenzó a ganar audiencia
gracias a sus regulares actuaciones en los locales de moda. En 1963 conocieron a Kenneth Pitt,
quien se convirtió en su representante. Pitt logró convencer del talento de la agrupación al conocido
productor John Burgess para que les produjese en 1963 y en HMV, un sello
propiedad de EMI, sus primeros singles.
Así, grabaron, ya bajo el nombre de Manfred Mann, temas como “Why Sould We Not”, “Cock-A-Hoop” y “5-4-3-2-1”.
En 1964 se produjo la consagración de la banda tras editar el single “Do Wah Diddy Diddy”, un tema escrito por Jeff Barry
y Ellie Greenwich que llegó al número uno en casi todo el mundo, incluidos los
Estados Unidos. Este mismo año junto a su primer EP de los varios publicados en su
trayectoria, también apareció el primer LP de la agrupación, “The Five Faces of
Manfred Mann”, que alcanzó el puesto tres en las listas de ventas.
Curiosamente los singles del grupo tendían más hacia el pop
mientras que en sus discos grandes destacaban por su Rhythm and Blues con retazos jazz.
En el año 1965 Mike Vickers abandonó el grupo y en el verano del 66 Paul Jones toma igual decisión. Ante estas importantes bajas el futuro de Manfred Mann era
incierto. Sin embargo, las llegadas del cantante Mike D’Abo y del bajista Klaus Voorman, prorrogaron el éxito para el
grupo tras su salida de HMV y su fichaje por Fontana.
El grupo tendió hacia sonidos más pop y gracias a temas
aparecidos en la segunda mitad de 1966 como “Just Like A Woman”,
nueva versión de Dylan, y “Semi-Detached Suburban Mr. James” consiguieron incrementar su retahíla
de triunfos comerciales.
1968 fue un gran año para la banda. Consiguieron su tercer
número uno, el primero cantado por D’Abo, con una estupenda versión del “Mighty
Quinn” de Dylan, y obtuvieron una importante repercusión comercial con los
singles “My Name Is Jack” y “Fox On The Run” .
A pesar de estos éxitos Manfred Mann no estaba contento con
el predominio pop de las composiciones y de que fuesen compositores ajenos a la
banda los encargados de escribir los singles.
Así que tras “Ragamuffin Man”, notable single aparecido en
1969 el grupo dejó de existir
para intentarlo Mann y Mike Hugg como Manfred Mann Chapter Three antes de que
el teclista creara Manfred Mann’s Earth Band, banda con sonidos progresivos.
Fuente de Información : AlohaPopRock
Manfred Mann - The Mighty Quinn (THS Video 003 / Venezuela 2015)
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Junto a los Rolling Stones Los Animals de Eric Burdon y Alan
Price es una de las agrupaciones musicales clave del Rythm and Blues británico de los
60s. Con el paso de los años su sonido tendió hacia posturas psicodélicas,
grabando discos espléndidos en un estilo u otro y así hoy es una de las bandas
iconográficas del rock de todos los tiempos.
El grupo surgió en la ciudad inglesa de Newcastle a
comienzos de década. En estos inicios no dejaba de ser un proyecto para
interpretar sus canciones favoritas que no obtuvo ninguna resonancia más allá
de sus familiares y amigos. Por esa razón Price decidió dejar a sus compañeros
y liderar el Alan Price Combo, en donde terminaron coincidiendo sus antiguos
amigos Burdon y Steel, con la añadidura del guitarrista Hilton Valentine y el
bajista Bryan Chandler.
En 1963 el Alan Price Combo cambiaría de nombre y nacerían
los Animals, quienes, gracias a su calidad como instrumentistas y sus sudorosas
interpretaciones, se convertirían con rapidez en uno de los nombres
fundamentales de la escena londinense del Rhythm and Blues.
Sus actuaciones en vivo, fueron acompañadas por sus primeras
grabaciones en estudio en el sello Columbia en 1964. Un año antes habían
publicado su primer EP en el sello Graphic Sound, “I Just Wanna Make Love To You” (1963).
El salto al estrellato internacional se produjo con su
segundo 45 rpm, “The House Of The Rising Sun”, magistral adaptación (la hacen
suya) de un tema tradicional que había grabado en una de sus primeras grabaciones
el bluesman Texas Alexander. Grabada en una sola toma el 18 de mayo de 1964,comienza con
el famoso arpegio en la menor del guitarrista Hilton Valentine, que ha sido
inspiración para muchos guitarristas. La destacada y particular ejecución vocal
de Eric Burdon ha sido definida como "aulladora",conmovedora" y
"profunda y gravosa”, el palpitante órgano de Alan Price completa el
sonido de la canción.
Hoy a más de 50 años, The House Of The Rising Sun es uno de
los mejores temas iconográficos del rock del todos los tiempos.
Fuente Información ; Aloha PopRock
The Animals - The House Of The Rising Sun (THS Vídeo 002 / Venezuela 2015)
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GENTE AFRICANA, agrupación musical afincada en Italia a comienzos
de la década de los años 70s alcanza una proyección internacional muy reducida
a pocos países de Europa, Estados Unidos
y America Latina. La banda con una muy marcada influencia por el género
“Funk” y ritmos africanos está integrada por Winston Delandro (Guitarra líder),
Winston “Gill” Alwyn (Guitarra), Taetos “Hesston” Jaey (Guitarra, Bajo), Mervin
Jay (Batería, Percusión) y Ren “Rentzos” Symboll (Piano, Organo, Vibráfono).
GENTE AFRICANA ficha para el sello Polydor y graban en el
año 1971 en los Estudios Phonogran SpA (Milán, Italia) su único álbum, “Stop
Pushing”. La producción a medio camino entre la psicodelia tardía y ritmos afro
rock está cargada de pesados pasajes de guitarras distorsionadas (fuzz) y el uso
de pedales (wah wah), la vocalización es increíble contando con el respaldo de
una buena sección rítmica.
El álbum “Stop Pushing” también es editado en Venezuela en
el año 1972 bajo el mismo sello Polydor y ante el éxito del sencillo
promocional “Movin’ On / Ka Ka Da Kofi”, el nombre de la producción para
efectos de mercado será sustituido por “African People – Ka Ka Da Kofi”.
African People - Movin' On / Ka Ka Da Koki (Polydor 303 / Venezuela 1972)
01. Movin' On (Titus Tonge)
02. Ka Ka Da Kofi (Winston. Gill / Niko Papathanassiou)
African People - Movin' On (1972)
African People - Ka Ka Da Kofi (1972)
Sencillo "African People - Movin ' On / Ka Ka Da Kofi" (Polydor) Grabado en Phonogram Studios (Milan / Italia) Hecho en Venezuela / Distribuido por Polydor _________________________________________________________________________________________________
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El 'Havana Jam-79' fue el evento musical
más importante ocurrido en Cuba en la década del 70. 36 años después, todavía
es recordado.
Fue en el primer fin de semana del mes de marzo, los días 2,
3 y 4. La idea, sugerida por los ejecutivos de la CBS Records, consistía en una
Jam Session compartida entre músicos norteamericanos y de origen latino
radicados en EEUU, y músicos cubanos.
Había varios antecedentes. El más importante fue el impacto
que logró el grupo Irakere en la escena jazzística internacional con su célebre
concierto en el Festival de Newport, en 1978. Desde un tiempo antes, una figura
importante del jazz, Stan Getz, propició la inserción de Irakere en el mercado
musical estadounidense. Fue en ese periodo que esta banda dirigida por el
pianista Chucho Valdés logró su primer premio Grammy. Esto facilitó la
reapertura de un canal de comunicación a nivel musical entre ambos países, que
había sido prácticamente cortado desde 1961. Otro canal de tipo diplomático
había sido abierto en 1977, cuando se establecieron oficinas consulares tanto
en Washington como en La Habana.
Sin embargo, el lenguaje ideológico y de confrontación formó
parte de la manera en que fue manejado el Havana Jam-79 por parte del gobierno
cubano y su departamento ideológico, dirigido en ese período por Antonio
"Tony" Pérez Herrero. Para ellos se trató de "un pulseo
ideológico entre músicos revolucionarios y músicos del imperio".
'Una isla dominada por el comunismo'
A partir del último miércoles del mes de febrero, comenzaron
a arribar a Cuba los músicos extranjeros participantes en el evento. El Hotel
Mar azul, en Santa María del Mar, fue el sitio escogido por las autoridades
para hospedarlos, o mejor sea dicho, confinarlos. El lugar y sus alrededores
fue previamente tomado por un dispositivo de la Seguridad del Estado que
también abarcó la franja de playa frente al hotel.
A nivel de la calle, el rumor de que músicos estadounidenses
estaban llegando al país para actuar, creció de manera proporcional al silencio
guardado por los medios de prensa locales. Se comentaba que la idea inicial era
realizar el encuentro con asistencia abierta a todo el público, en el coliseo de
la Ciudad Deportiva. Según esa versión, las autoridades descartaron tal
posibilidad y optaron por realizar el espectáculo en el Teatro Karl Marx de 1ra
y 10 en Miramar. Las invitaciones al concierto fueron distribuidas entre
miembros selectos del Partido Comunista, en especial cuadros directivos y sus
familiares. También fueron llevados, para llenar el teatro, militantes de la
UJC y cuadros pertenecientes a entidades gubernamentales como la Asociación
Nacional de Agricultores Pequeños (ANAP), los Comités de Defensa de la
Revolución (CDR) y el Ministerio del Interior (MININT).
Durante los tres días que duró el evento, el exterior del
teatro estuvo copado por personas a la caza de invitaciones para poder acceder.
El precio oscilaba entre los 50 y los 100 pesos, lo cual era mucho dinero en
ese momento. Para colmo, personas que contaban con invitación eran retenidas en
la entrada por razones absurdas. En una entrevista en 1989, Billy Joel —quien
actuó el domingo 4 de marzo— comentaba sus impresiones de esa noche en el Karl
Marx: "Cuando llegamos al Teatro, vi a muchos cubanos en la puerta
intentando entrar. Para mí Cuba era una isla dominada por el comunismo, donde
mi música era desconocida, pero estaba equivocado".
Lo más grande
El viernes 2, primera noche del evento, los encargados de la
apertura por la parte extranjera fueron los de Weather Report. Esta banda de
jazz-rock tenía entre sus integrantes al recordado y virtuoso bajista Jaco
Pastorius. Este último actuó también, como parte del proyecto Trio of Doom,
junto a Tony Williams y John McLaughlin. El cierre de la jornada le
correspondió a la orquesta Fannia All Stars.
La Fania vino a Cuba en su mejor momento musical y
comercial. En esa época contaba en su nómina con Celia Cruz, quien por
supuesto, no viajó a la La Habana. El vocalista Rubén Blades fue el encargado
de actuar con la orquesta, frente a un público ideológicamente prejuiciado en
contra de la salsa. Por la parte cubana, estuvieron esos días figuras escogidas
por las autoridades culturales para esa ocasión: La Orquesta Aragón, Sarah
Gonzales, Elena Burke, Pablo Milanés…
En la segunda jornada, los de Irakere protagonizaron uno de
los grandes momentos del evento, cuando interpretaron el Adagio de Mozart, en
una versión semejante a la interpretada en su concierto de Newport un año
antes.
El Havana Jam también contó con la presencia de Bonnie
Bramlett, Mike Finnigan, Dexter Gordon, Stan Getz… El guitarrista Stephen
Stills sorprendió al público cuando entró por uno de los pasillos laterales del
teatro, tocando una guitarra eléctrica amplificada por control remoto.
También el actor y compositor musical Kris Kristofferson
viajó a La Habana acompañando a su esposa, la por entonces muy exitosa Rita
Coolidge. Coolidge puso en vilo al teatro con su hit del momento, Your Love
(lifted me higher), en la noche del domingo 4 de marzo.
A continuación salieron a escena Elena Burke y Pablo
Milanés. Después de un breve intermedio, las cortinas se cerraron, las cámaras
del equipo de filmación que trajo CBS fueron desactivadas y dejaron de apuntar
al escenario. La presentadora del evento, Consuelo Vidal, anunció a Billy Joel.
El "Piano Man" ofreció un concierto memorable, el cual no formó parte
del álbum doble que CBS editó posteriormente.
El Havana Jam fue, sin dudas, el evento cultural y musical
más importante ocurrido en Cuba en la década del 70. 36 años después, todavía
es recordado en el país.
Fuente de Información: Camilo Ernesto Olivera (Diario de Cuba 05/03/2014)
VA - Havana Jam (Columbia CBS PC2 36053 / USA 1979)
01. Weather Report - Black Market (Joe Zawinul)
02. Irakere - Concerto para flauta y adagio de Mozart (Composición / Adaptación: Paquito D'Rivera)
03. Stephen Stills - Cuba al fin (Stephen Stills)
04. Sara González - Su nombre es Pueblo (Sara González)
07. Kris Kristofferson - Living Legend (Kris Kristofferson)
08. Rita Coolidge - (Your Love Have Lifted Me) Higher and Higher (Carl Smith / Raynard Miner / Gary Jackson)
09. CBS Jazz All-Stars - Black Stockings (Hubert Laws)
10. Mike Finnigan and Bonnie Bramlet - How Wrong Can You Be (Rocke Grace / Max Gronenthal)
11. Fania All-Stars - Juan Pachanga (Rubén Blades)
12. Trio of Doom - Dark Prince (John McLaughlin / Tony Williams / Jaco Pastorius)
13. Cuban Percussion Ensemble - Schezada · Sun Sun (Nikolái Rimski-Kórsakov / Tradicional)
Weather Report - Black Market (1979)
Stephen Stills - Cuba al fin (1979)
CBS All-Star - Project S (1979)
Kris Kristofferson - Living Legend (1979) / Rita Coolidge - (Your Love Have Lifted Me) Higher and Higher (1979)
Fania All-Stars - Juan Pachanga (1979)
Cuban Percussion Ensemble - Schezada · Sun Sun(1979)
Album "VA - Havana Jam" (Columbia CBS) Hecho por CBS Columbia (USA) _________________________________________________________________________________________________
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