Pablo Manavello - Let There Be Peace (Peace Planet Music / USA 2015)
01. I Raise My Voice (feat. Anat)
02. The Moon and The Sun (feat. Anat)
03. Let There Be Peace (feat. Anat)
04. My Way Back Home (feat. Anat)
05. Open The Window (feat. Anat)
Pablo Manavello feat. Anat - I Raise My Voice (2015)
Pablo Manavello feat. Anat - The Moon and The Sun (2015)
Pablo Manavello feat. Anat - Let There Be Peace (2015)
Pablo Manavello feat. Anat - MyWay Back Home (2015)
Pablo Manavello feat. Anat - Open The Window (2015)
Album "Pablo Manavello - Let There Be Peace" (Peace Planet Music) Producción General / Letras / Música : Pablo Manavello Hecho por PEACE PLANET MUSIC (USA) "Pablo Manavello - Let There Be Pece" es solo disponible en formato mp3 en Amazon, iTunes / CD Universe entre otras tiendas on-line.
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David Bowie, la legendaria estrella del rock, icono estético
y artístico de la segunda mitad del siglo XX, ha fallecido a los 69 años,
víctima del cáncer. Así se anunciaba, hacia las 7.30 de esta mañana, en los
perfiles oficiales del artista en Facebook y Twitter. “David Bowie ha muerto en
paz hoy [por el domingo] rodeado de su familia, después de una valiente lucha
de 18 meses contra el cáncer. Mientras muchos de vosotros compartiréis la
pérdida, pedimos respeto a la privacidad de la familia durante su tiempo de
dolor”.
El Major Tom -como en su inmortal canción- tomó sus píldoras
de proteínas, se puso el casco y ascendió. Nadie supo ver las señales. Un astronauta
muerto protagoniza el arranque del vídeo de Blackstar, la canción que da título
a su último disco, publicado el pasado viernes, coincidiendo con su 69
cumpleaños. No hay fotos del artista en la portada de un disco que no ha sido
póstumo por dos días. Solo una estrella negra, que ahora se revela como el
adiós del hombre que cantó a las arañas de Marte.
La noticia fue confirmada a primera hora de la mañana,
también en las redes sociales, por su hijo, el director de cine Duncan Jones,
de 44 años. “Lamento mucho y me entristece decir que es verdad”, ha escrito. El
representante del artista ha confirmado también la noticia, según citan
diversos medios británicos. El primer ministro británico, David Cameron,
también ha lamentado la “enorme pérdida” de un “maestro de la reinvención”.
“Crecí escuchando y viendo al genio del pop David Bowie”, ha escrito en
Twitter.
Blackstar, el 25º álbum de su carrera, con siete canciones
de aires jazz y toques electrónicos, fue elogiado por la crítica en todo el
mundo. El creador de Ziggy Stardust, según sus colaboradores, no tenía previsto
defender el disco en directo ni conceder entrevistas de promoción. En los
últimos años Bowie había descendido su capacidad de trabajo, después de que se
informara que había sufrido un ataque al corazón en la década pasada. Su última
actuación en directo fue en 2006 en Nueva York, junto a Alicia Keys.
Bowie fue un artista en permanente revolución. Desafió todas
las convenciones en la música, la moda y hasta la sexualidad. Fue más que la
voz de una generación. Su imaginación y su talento marcaron la segunda mitad
del siglo XX. "Lo que hago es muy sencillo, es solo que mis elecciones son
muy diferentes de las de otras personas", dijo en una ocasión.
El shock por la muerte del artista, cuya enfermedad no había
trascendido, ha dado la vuelta al mundo. Las redes sociales se han teñido de
color recordando todas las caras del artista más camaleónico. Los admiradores
han depositado flores y velas ante su apartamento en la calle Lafayette, en el
Soho neoyorquino. También en Brixton, el barrio del sur de Londres que le vio
crecer.
Allí, en el Londres de la posguerra, nació como David Robert
Jones en 1947, hijo de una acomodadora de un cine y un trabajador de una ONG.
Su hermano mayor le introdujo el veneno del rock y David formó sus primeras
bandas en la adolescencia. Adoptó el apellido artístico de Bowie -para
diferenciarse de Davy Jones, de los Monkees- y emprendió su carrera en
solitario a mediados de los años 60.
Su primer éxito fue Space Oddity, el tema que daba título a
su segundo disco, en 1969. Hunky
Dory (1971) y The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders of Mars
(1972) cimentaron su leyenda global. La segunda mitad de los setenta
trajo la llamada trilogía de Berlín, sus discos con Brian Eno, inlcuido el
inmortal Heroes (1977). En los ochenta abrazó el pop y bajó a la pista de
baile, con éxitos como Let's Dance (1983).
Produjo álbumes para otros artistas, entre ellos Lou Reed
(Transformer) e Iggy Pop (Raw Power, The Idior, Lust for Life) y compuso el hit
All the Young Dudes, de Mott The Hoople. Además, tuvo una considerable carrera
como actor, que abarcó desde montajes teatrales del Lindsay Kemp, hasta
películas como El hombre que vino de las estrellas (Nicolas Roeg),
Principiantes (Julien Temple), Dentro del Laberinto (Jim Henson) o La última
tentación de Cristo (Scorsese).
Con sus discos, sus apariciones cinematográficas y sus
looks, David Bowie deja una huella imborrable en la música y en la cultura
popular del último medio siglo. Estaba casado desde 1992 con la modelo Iman,
con quien tuvo una hija Alexandria Zahra, que ahora tiene 15 años.
Fuente de Información: Diario El País (España 11/01/2016)
David Bowie - Blackstar (Columbia Records 88875173862 / USA 2016)
01. ★ (Blackstar) (David Bowie)
02. 'Tis A Pity She Was A Whore (David Bowie)
03. Lazarus (David Bowie)
04. Sue (Or In A Season Of Crime) (David Bowie)
05. Girl Loves Me (David Bowie)
06. Dollar Days (David Bowie)
07. I Can't Give Everything Away (David Bowie)
David Bowie - Blackstar (2016)
David Bowie - 'Tis A Pity She Was A Whore (2016)
David Bowie - Lazarus (2016)
David Bowie - Sue (Or In A Season Of Crime) (2016)
David Bowie - Girl Loves Me (2016)
David Bowie - Dollar Days (2016)
David Bowie - I Can't Give Everything Away (2016)
Album "David Bowie - Blackstar" (Columbia Records) Grabado en The Magic Shop (USA) / Human Worldwive Studios (USA) Producción General / Música / Mezclas : David Bowie Arte Gráfico : NASA (10) Hecho por COLUMBIA RECORDS (USA) _________________________________________________________________________________________________
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Natalie Maria Cole, cantante de soul, jazz y pop, murió el
último día de 2015, en su Los Ángeles natal, en el hospital Cedar Sinai.
Natalie, de 65 años, fue la única de los cinco hijos del legendario Nat King
Cole que se dedicó con éxito al mundo del espectáculo.
Se podría decir que Natalie Cole recibió de su padre un
regalo envenenado. Nat King Cole triunfó pero debió enfrentarse al racismo
todavía imperante en los Estados Unidos del presidente Eisenhower. A pesar de
la pulcra imagen familiar, en el hogar de los Cole se vivieron muchas
turbulencias: las infidelidades del padre estuvieron a punto de romper su
matrimonio, aunque se recompuso cuando se detectó el cáncer que acabó con su
vida en 1965. En aquellas batallas, Natalie tomó partido por su padre y decidió
dedicarse a su oficio. Se enfrentó con su madre, Maria, que había desarrollado
cierta antipatía por el show business. Tras sus años universitarios, donde
incluso flirteó con el radicalismo político del Black Panther Party, empezó a
cantar profesionalmente. Su apellido facilitaba los bolos pero a la larga
resultó una rémora: promotores y discográficas esperaban un repertorio middle
of the road y ella era una criatura de los sesenta, atraída por el soul y el
rock; se negaba a interpretar las canciones identificadas con Nat King Cole.
Fue lanzada por Capitol Records, la compañía de su padre, en
1975 y tuvo éxitos inmediatamente, con temas como Inseparable, Sophisticated
lady o I’ve got love on my mind. Los productores siguieron el modelo de los
discos maduros de Aretha Franklin, lo que provocó el enfado de la Reina del
Soul. En realidad, Aretha no tenía nada que temer: la afición de Natalie a las
drogas duras era un secreto a voces en la industria musical, la explicación
para demasiadas ausencias y deslices. Además, Natalie era más flexible en lo
musical: en 1988, colocó en las listas su versión new wave de un tema de Bruce
Springsteen, Pink Cadillac.
Ya en los noventa, Natalie se rindió a la presión ambiental
y se decidió a explotar el legado familiar. Aceptó que la sombra de su padre
era demasiado gigantesca: había visto los agobios de su tío, el gran cantante y
pianista Freddy Cole, cuya desesperación le llevó a titular un álbum No soy mi
hermano, soy yo. En 1991, Natalie lanzó Unforgettable… with love, donde
recreaba éxitos de su padre. Y no solo eso: la tecnología permitía que grabara
un dueto con la voz de Nat King Cole, en lo que las lenguas pérfidas del
negocio musical llamaron un “desenterrado”. Pero eso se decía en petit comité:
en uno de sus espasmos de tradicionalismo, la Academia premiaría a Natalie con
varios premios Grammy.
La fórmula del “desenterrado” se popularizaría
internacionalmente: su aceptación comercial facilitó aberraciones como los
duetos entre dos o más artistas que llevaban décadas en la tumba. Aunque
Natalie reincidiría, se puede afirmar que aprovechó bien la resurrección de su
carrera: aparte de los inevitables discos navideños y las grabaciones con
orquestas sinfónicas, se permitió dar salida a su pasión por el jazz. En 2000,
publicó una autobiografía, Angel on my shoulder, donde relataba sus problemas
con la heroína, el crack y el alcohol, aparte de sus conflictos religiosos.
Esas confesiones facilitaron su aceptación por el mundo de la televisión, donde
protagonizó abundantes especiales y apareció como actriz en diversas series;
convenientemente embellecida, su vida se transformó en un telefilme, titulada
Livin’ for love. Como ella reconocía, era su apellido lo que despertaba la
curiosidad de personajes tan diversos como Nelson Mandela o Frank Sinatra.
Sus últimos años fueron lastrados por problemas de salud.
Aquejada de hepatitis C, tuvo que someterse a un trasplante de riñón en 2009.
Fue particularmente crítica con artistas que exhibían sus excesos vitales, como
Amy Winehouse; vivió como una tragedia la muerte de su amiga Whitney Houston.
Fuente de Información: Diario El País (España 02/01/2016)
Natalie Cole - Unforgettavle With Love (Elektra 9 610492 / USA 1991)
01. The Very Thought Of You (Ray Noble)
02. Paper Moon (Billy Rose / E.Y Harburg / Harold Arlen)
03. Route 66 (Booby Troup)
04. Mona Lisa (Ray Evans / Jay Livingston)
05. L-O-V-E (Bert Kaempfert / Milt Gabler)
06. This Can't Be Love (Richard Rogers / Lorenz Hart)
07. Smile (John Turner / Geoffrey Parsons)
08. Lush Life (Billy Strayhorn)
09. That Sunday, That Summer (Joe Sherman / George David Weiss)
11. A Medley Of: For Sentimental Reasons, Tenderly, Autumn Leaves
(Ivory "Deek" Watson - William "Pat" Best / Walter Gross - Jack Lawrence / Johnny Mercer)
12. Straighten Up And Fly Right (Nat King Cole / Irving Mills)
13. Avalon (Rose, Jolson & DeSilva)
14. Don't Get Around Much Anymore (Duke Ellington / Bob Russell)
15. Too Young (Sidney Lippman / Sylvia Dee)
16. Nature Boy (Eden Ahbez)
17. Darling, Je Vous Aime Beaucoup (Anna Sosenko)
18. Almost Like Being In Love (Frederick Loewe / Alan Jay Lerner)
19. Thou Swell (Richard Rogers / Lorenz Hart)
20. Non Dimenticar (Shelley Dobbins)
21. Our Love Is Here To Stay (George Gershwin / Ira Gershwin)
22. Unforgettable (Irving Gordon)
Natalie Cole - The Very Through Of You (1991) / Paper Moon (1991)
Natalie Cole - Route 66 (1991) / Mona Lisa (1991)
Natalie Cole - Orange Colored Sky (1991) / A Medley Of: For Sentimental Reasons, Tenderly, Autumn Leaves (1991)
Natalie Cole - Straighten Up And Fly Right (1991) / Avalon (1991)
Natalie Cole - Too Young (1991) / Nature Boy (1991)
Natalie Cole - Our Love Is Here To Syay (1991) / Unforgettable (1991)
Album "Natalie Cole - Unforgettable With Love "(Elektra) Producción Ejecutiva : Tommy LiPuma / Natalie Cole Hecho por ELEKTRA ENTERTAINMENT, una división de Warner Communications Inc. (USA) _________________________________________________________________________________________________
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"I Feel Fine", tema de John Lennon comenzó a escribirse mientras Los Beatles estaban grabando “Eight Days A Week”». Se
la considera como una de sus composiciones más optimistas. El riff inicial le
fue inspirado por la canción de Bobby Parker “Watch Your Step” y llegó a
convertirse en uno de los más característicos de The Beatles junto a los
posteriores de “Day Tripper”, “Ticket To Ride”, “And Your Bird Can Sing” y “Paperback
Writer”.
El feedback conseguido por Lennon al inicio de la canción ha
pasado a la historia de la música como la primera vez en la que un grupo de
rock utilizaba un acople del amplificador en la grabación. El sonido fue
descubierto por casualidad por los Beatles, al inclinar Lennon una de las
guitarras electro-acústicas contra el amplificador, produciendo un sonido
parecido al que acabó apareciendo en el disco. Posteriormente el sonido fue
conseguido haciendo sonar la quinta cuerda al aire, y progresivamente subiendo
el volumen de su amplificador Vox. El acople como recurso musical ha sido usado
en vivo por músicos como Jimi Hendrix, The Kinks y The Who.
Fue interpretada en vivo de forma ininterrumpida desde
diciembre de 1964 hasta sus últimas presentaciones en agosto de 1966. En
algunas presentaciones del año 1965, Lennon solía iniciar la canción tocando el
riff inicial con una Gibson modelo J-160E, la misma con la que grabó el
histórico acople, mientras George Harrison lo seguía con su Gretsch Tennessean.
El sencillo fue lanzado el 27 de noviembre de 1964 como Cara A junto a “She's A Woman”, escrita por Paul McCartney, como Cara B. Desplazó de las listas al tema "Little Red Rooster" de Los Rolling Stones.
Fuente de Información : Wikipedia (23/11/2015)
The Beatles - I Feel Fine (Video THS 007 / Venezuela 2015)
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Para los primeros años iniciales de la década de los 60s, la juventud venezolana había comenzado su andar musical cautivados por las nuevas sonoridades, se han habían agrupado entre otros, Los Zeppy's, Los Singers, Los Bugat's, Mirla, Namia y las Hermanas Agueda y Yolanda, Nancy Morillo debutaban discográficamente y se establecían como agrupaciones consolidas Los Supersónicos, Los Dangers, Los Holiday's y Los Impala.
Miossotty, intérprete juvenil de origen de origen y nombre real completamente desconocido es atraída por los nuevos ritmos juveniles de la llamada "Nueva Ola" que comenzaban a llegarnos en principio desde Europa con los temas "Ye-Yé" en las voces de Rita Pavone, Marisol, Conchita Velasco y Rocío Durcal, entre otras.
Miossoty realiza sus primeras presentaciones en el año 1964 al incorporarse al staff de noveles voces en el recién inaugurada planta de televisión "Cadena Venezolana de Televisión CVTV" (Canal 8), debuta en el recordado "El Club del Clan" conducido por Juvenal "Richard" Hernández y su hermano José, conocidos en el medio artístico como "Los Brothers".
Miossotty desaparecerá al poco tiempo del medio artístico sin dejar rastros e inclusive el de su verdadero nombre.
¿Qué nos ha quedado de su legado musical?
Prácticamente nada, solo su inclusión en el álbum "El Club del Clan" (Velvet LPV 1248) y los registros editados en el año 1965 para el sello discográfico Audifon, acá presentados.
En el azul musical del cielo venezolano, se perfila la voz clara y juvenil de la nueva estrella de la canción internacional MIOSSOTTI.
AUDIFON, complaciendo a sus miles de admiradores, ofrece a la juventud éste su primer Long Play en que se destaca como una gran figura de la canción.
Las melodías que interpreta nuestra artista, expresan el sentir moderno de una época llena de inquietud, emoción, ensueño y romance.
El arte y la personalidad que imprime MIOSSOTTI en cada una de sus creaciones la han llevado al lugar que hoy, indiscutiblemente ocupa.
Por eso, no dudamos en lanzar a la consideración del público este Long Play, el cual consagra definitivamente a esta juvenil estrella que ha conquistado el éxito a través de sus aplaudidas actuaciones.
Fuente de Información: Album "Miossotty - Miossotty" (Audifon)
Miossotty - El burrito (1900) / Deseo verte (1965)
Miossotty - Prima o Poi (1965) / Así por teléfono (1965)
Dímelo nada más (1965) / Mi amor chupeta (1965)
No me digas nada (1965) / El helado (1965)
Mi mundo (1965) / El mago (1965)
Así los dos (1965) / Siempre el tilín (1965)
Album "Miossotty - Miossotty" (Audifon) Hecho en Venezuela por Grabaciones Vega y Distribuido por Productos Plax, C.A. Proplax
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Legendario superguitarrista,
influyente y talentoso músico y compositor y gran genio de las seis cuerdas
eléctricas, introductor de radicales innovaciones en el arte de tocar el
venerado instrumento, John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el
nombre por el de James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942 en Seattle
(Estados Unidos).
No era un gran amante de los
estudios y para ganarse la vida decidió enrolarse en el ejército americano como
paracaidista, aunque tampoco tuvo mucha fortuna ya que tras romperse un tobillo
abandonó su corta vida militar.
Su destino final lo encontró en
la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su
guitarra Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que
admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el
ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un
bajista con el que formó el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo sus habilidades
guitarreras fueron contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por
gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard,
King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a
conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión
sonora. Hendrix, sin embargo, no se acababa de encontrar a gusto como simple
pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera para así poder desplegar toda
la creatividad que llevaba dentro.
Lo que hizo fue mudarse en 1965 a
la ciudad de Nueva York y comenzar a tocar en los clubs de la gran urbe. Se
unió a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight sin conseguir liderar una
banda propia.
En 1966, cuando formó los Blue
Flames (con Randy California) y se rebautizó como Jimmy James, fue cuando logró
conformar por fin un grupo que comenzó a actuar regularmente por los locales
neoyorquinos. Una noche que actuaban en uno de ellos, el “Café Wha,”, los Jimmy
James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico
de R&B The Animals Chas Chandler.
Chandler se dio cuenta del
tremendo potencial sónico que poseía aquel guitarrista zurdo de raza negra y
nada más terminar el concierto se le acercó y le rogó que le acompañase a las
Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler, junto a Mike Jeffries
(Jeffery), se convirtió en sus representantes y después de buscarle tras varias
audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) y Mitch
Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como
la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en
la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en
Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric
Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience.
A finales de año la Experience
publicó en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del
tema “Hey Joe” que tendría una espléndida continuación con “Purple Haze” y “The
Wind Cries Mary”, composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus
vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los
que Jimi Hendrix pasó a la historia.
Tras grabar su cuarto sencillo,
“Burning Of The Midnight Lamp”, que no ofreció los resultados comerciales de
los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, la Jimi Hendrix
Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, “Axis: Bols As Love”
(1967), otro estupendo disco aparecido a finales del mismo año con grande temas
como “If 6 Was 9”, “Little Wing” o “Bold As Love” y colaboraciones vocales de
gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después de la publicación del
doble “Electric Ladyland” (1968) las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se
hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del
grupo.
“Electric Ladyland” es otro
trabajo de gran experimentación que brillaba en canciones como “Voodo Chile (A
Slight Return)”, “Rainy Day, Dream Away” o la versión de Bob Dylan “All Along
The Watchtower” y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música
británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de,
entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del
68 y todo el 69 se mostró muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su
inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas
legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando
estas contrariedades.
Su actuación en Woodstock (en la
que estaban Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry Vélez y Juma Sultan) volvió a
resultar un éxito, en especial debido a su interpretación del”Star-Spangled
Banner”. Los tres grabaron el Lp en directo “Band of Gypsies” (1970), obra de
mediana calidad que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
Con Cox y Mitchell siguió
actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera
sentimenal, Mónika Danneman, le encontraría muerto en su habitación londinense
debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de
drogas. Era el 18 de septiembre de 1970 y el ídolo de la guitarra contaba
solamente 27 años de edad.
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Uno de los grupos más importantes e interesantes del Reino
Unido de comienzos de los años 60 fueron los Manfred Mann.
Los orígenes de este conjunto hay que buscarlos en
Sudáfrica, ya que el teclista que da nombre al grupo nació en la ciudad de
Johannesburgo. Realmente su nombre era el de Michael Lubowitz, pero, gran
amante del jazz y en concreto del batería neoyorquino Shelly Manne, adoptó para
escribir artículos de jazz como homenaje a éste el seudónimo de Manfred Manne,
cambiado posteriormente por Mann.
Después de tocar jazz en diferentes locales de su país natal
Manfred se trasladó al Reino Unido con la intención de proseguir interpretando
su música favorita en tierras inglesas. En el período que llegó a Londres el sonido Rhythm and Blues era uno
de los favoritos de parte de la juventud inglesa y pronto comenzó a atraer
también al sudafricano, en especial cuando conoció en 1962 al batería y
vibrafonista Mike Hugg, con quien
formó el dúo The Mann-Hugg Brothers. Más tarde se incorporaron al proyecto el cantante y
armonicista Paul Jones, el multi-instrumentista Mike Vickers y el bajista Dave Richmond.
Ahora como quinteto el grupo comenzó a ganar audiencia
gracias a sus regulares actuaciones en los locales de moda. En 1963 conocieron a Kenneth Pitt,
quien se convirtió en su representante. Pitt logró convencer del talento de la agrupación al conocido
productor John Burgess para que les produjese en 1963 y en HMV, un sello
propiedad de EMI, sus primeros singles.
Así, grabaron, ya bajo el nombre de Manfred Mann, temas como “Why Sould We Not”, “Cock-A-Hoop” y “5-4-3-2-1”.
En 1964 se produjo la consagración de la banda tras editar el single “Do Wah Diddy Diddy”, un tema escrito por Jeff Barry
y Ellie Greenwich que llegó al número uno en casi todo el mundo, incluidos los
Estados Unidos. Este mismo año junto a su primer EP de los varios publicados en su
trayectoria, también apareció el primer LP de la agrupación, “The Five Faces of
Manfred Mann”, que alcanzó el puesto tres en las listas de ventas.
Curiosamente los singles del grupo tendían más hacia el pop
mientras que en sus discos grandes destacaban por su Rhythm and Blues con retazos jazz.
En el año 1965 Mike Vickers abandonó el grupo y en el verano del 66 Paul Jones toma igual decisión. Ante estas importantes bajas el futuro de Manfred Mann era
incierto. Sin embargo, las llegadas del cantante Mike D’Abo y del bajista Klaus Voorman, prorrogaron el éxito para el
grupo tras su salida de HMV y su fichaje por Fontana.
El grupo tendió hacia sonidos más pop y gracias a temas
aparecidos en la segunda mitad de 1966 como “Just Like A Woman”,
nueva versión de Dylan, y “Semi-Detached Suburban Mr. James” consiguieron incrementar su retahíla
de triunfos comerciales.
1968 fue un gran año para la banda. Consiguieron su tercer
número uno, el primero cantado por D’Abo, con una estupenda versión del “Mighty
Quinn” de Dylan, y obtuvieron una importante repercusión comercial con los
singles “My Name Is Jack” y “Fox On The Run” .
A pesar de estos éxitos Manfred Mann no estaba contento con
el predominio pop de las composiciones y de que fuesen compositores ajenos a la
banda los encargados de escribir los singles.
Así que tras “Ragamuffin Man”, notable single aparecido en
1969 el grupo dejó de existir
para intentarlo Mann y Mike Hugg como Manfred Mann Chapter Three antes de que
el teclista creara Manfred Mann’s Earth Band, banda con sonidos progresivos.
Fuente de Información : AlohaPopRock
Manfred Mann - The Mighty Quinn (THS Video 003 / Venezuela 2015)
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Junto a los Rolling Stones Los Animals de Eric Burdon y Alan
Price es una de las agrupaciones musicales clave del Rythm and Blues británico de los
60s. Con el paso de los años su sonido tendió hacia posturas psicodélicas,
grabando discos espléndidos en un estilo u otro y así hoy es una de las bandas
iconográficas del rock de todos los tiempos.
El grupo surgió en la ciudad inglesa de Newcastle a
comienzos de década. En estos inicios no dejaba de ser un proyecto para
interpretar sus canciones favoritas que no obtuvo ninguna resonancia más allá
de sus familiares y amigos. Por esa razón Price decidió dejar a sus compañeros
y liderar el Alan Price Combo, en donde terminaron coincidiendo sus antiguos
amigos Burdon y Steel, con la añadidura del guitarrista Hilton Valentine y el
bajista Bryan Chandler.
En 1963 el Alan Price Combo cambiaría de nombre y nacerían
los Animals, quienes, gracias a su calidad como instrumentistas y sus sudorosas
interpretaciones, se convertirían con rapidez en uno de los nombres
fundamentales de la escena londinense del Rhythm and Blues.
Sus actuaciones en vivo, fueron acompañadas por sus primeras
grabaciones en estudio en el sello Columbia en 1964. Un año antes habían
publicado su primer EP en el sello Graphic Sound, “I Just Wanna Make Love To You” (1963).
El salto al estrellato internacional se produjo con su
segundo 45 rpm, “The House Of The Rising Sun”, magistral adaptación (la hacen
suya) de un tema tradicional que había grabado en una de sus primeras grabaciones
el bluesman Texas Alexander. Grabada en una sola toma el 18 de mayo de 1964,comienza con
el famoso arpegio en la menor del guitarrista Hilton Valentine, que ha sido
inspiración para muchos guitarristas. La destacada y particular ejecución vocal
de Eric Burdon ha sido definida como "aulladora",conmovedora" y
"profunda y gravosa”, el palpitante órgano de Alan Price completa el
sonido de la canción.
Hoy a más de 50 años, The House Of The Rising Sun es uno de
los mejores temas iconográficos del rock del todos los tiempos.
Fuente Información ; Aloha PopRock
The Animals - The House Of The Rising Sun (THS Vídeo 002 / Venezuela 2015)
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